TEATERETS 15 VIKTIGSTE KJENNETEGN - KUNST - 2026

De fleste viktige kjennetegn ved teateret er nært knyttet til de elementene som er felles for slark eller ytelse. Begrepet teater har sin opprinnelse i det greske ordet theatron, som betyr et "sted å se på."

Derfor refererte teateret opprinnelig til et sted og en bestemt form for oppfatning. I dag kan teaterbegrepet referere til: en bygning, en aktivitet ('å gå til' eller 'gjøre' teater), en institusjon og en kunstform.

Teater er grenen av scenisk kunst relatert til skuespill og representasjon av historier foran et levende publikum, ved å bruke en kombinasjon av taler, gester, kulisser, musikk, lyder og opptog som prøver å stimulere og begeistrere betrakteren.

Sinnet spiller også en viktig rolle i teater, siden dette kunstneriske uttrykket dechiffreres i henhold til tilskuerens oppfatning og fantasi.

Alle skuespill har felles elementer som kjennetegner denne kunsten. Nedenfor vil du kunne se de mest fremtredende funksjonene mer detaljert.

15 karakteristiske elementer i teatret

1 - Tomt

Kilde: Morruelo via Wikimedia Commons)

Det er det som skjer i arbeidet. Det refererer til handling. Organisering av arrangementer eller valg og rekkefølge av scener i et skuespill. I følge Aristoteles er det et abstrakt begrep som viser til disposisjonen til hendelsene som utgjør råstoffet og komponentene i historien.

Plottet er måten disse hendelsene er strukturert til en sammenhengende helhet. Hvis ordningen med den opprinnelige ordren endres, genereres en ny ramme. To typer plott dominerer i teatret. Neste, dens viktigste egenskaper og skiller elementer:

Oppløsningsramme

• Plottet begynner sent i historien, nærmere slutten eller klimaks.
• Dekker en kort periode.
• Den inneholder noen få solide og utvidede scener.
• Det forekommer på et begrenset sted, et rom eller et hus.
• Antall tegn er sterkt begrenset.
• Få delplott er hevet.
• Handlingslinjen fortsetter i en kjede av årsak og virkning. Karakterer og hendelser henger tett sammen i en nesten uunngåelig sekvens av logisk utvikling.

Avslør tomten

• Plottet begynner relativt tidlig i historien og beveger seg gjennom en serie handlinger.
• Dekker lange perioder.
• Mange korte og fragmenterte scener eller vekslingen mellom korte og lange scener.
• Det kan dekke en hel by eller til og med flere land.
• Overflod av karakterer.
• Ofte preget av flere handlingstråder, flere parallelle historier.
• Scenene er assosiert med hverandre. En hendelse kan skyldes flere årsaker, eller ingen åpenbar årsak, men den oppstår i et nettverk av omstendigheter.

2- Emne

Kilde: Martinbayo via Wikimedia Commons)

Mens plottet refererer til handlingen i stykket, refererer temaet til betydningen av stykket. Noen ganger står det tydelig i tittelen.

Andre ganger kan det sies gjennom dialog av en karakter som fungerer som dramatikerens stemme. Noen ganger er emnet mindre åpenbart og oppstår først etter å ha analysert innholdet i arbeidet.

3- tegn

Det er menneskene, dyrene eller ideene som er representert av skuespillerne i stykket. Strukturelt sett er karakterene handlingsagenter, de som gir motivasjonen for at hendelsene i plottet skal skje.

Hver karakter skal ha sin egen personlighet, alder, utseende, tro, sosioøkonomisk bakgrunn og språk. I henhold til deres funksjoner i arbeidet, kan noen typer figurer beskrives:

• Hovedperson : Hovedpersonen .
• Antagonic : Hovedpersonens motstander.
• Motstykker : De avslører noen aspekter av hovedpersonen ved å ha lignende eller forskjellige omstendigheter eller oppførsel.

4 - Manus eller tekst

Dette er utgangspunktet for den teaterforestillingen. Det er teksten som stykket skapes til. Den består av dialog, sceneinstruksjoner, karakterbeskrivelser og lignende i et skuespill. Det refererer til ordene som er skrevet av dramatiker og tolket av karakterene.

5- Kjønn

Karakteristisk klasse for verket. Kjønn kommer fra et fransk ord som betyr "kategori" eller "type." Valg av sjanger gjenspeiler forfatterens synspunkt på emnet.

Følgende typer teaterstykker blir vanligvis fremført i teateret: tragedie, komedie, melodrama og tragikomedie. Hver av disse sjangrene kan deles videre av stil og innhold i:

Tragedie

Det er en etterligning av en handling som er alvorlig, sammensatt og relevant. Tragedie er av natur alvorlig i sitt fag og tar tak i dype problemer. Disse dype problemene er universelle og vekker medfølelse og frykt hos publikum når de er vitne til handlingen.

Komedie

Hun har visjonen om å få publikum til å le, hun er vanligvis fysisk og energisk. Oppførselen til karakterene som presenteres er latterlig og noen ganger absurd. Det stimulerer publikum til å korrigere atferden i samfunnet.

melodrama

Det er katastrofens drama, omstendigheter utenfor hovedpersonens kontroll forårsaker plotets betydningsfulle hendelser. Skylden og ansvarsaspektene ved hovedpersonen fjernes.

Hovedpersonen er et offer for omstendigheter. Melodramaen har en følelse av streng moralsk skjønn. Alle problemstillingene som presenteres løses på en veldefinert måte. Gode ​​karakterer blir belønnet og dårlige karakterer blir straffet.

tragikomedie

Det er en refleksjon av selve livet, det inneholder alle de tidligere sjangrene. Den later ikke til å dømme, eller foretar absolutte dommer. Det fokuserer på karakterforhold og viser samfunnet i en tilstand av kontinuerlig fluks.

6 - Kostymer og sminke

De er elementer som tjener til å prege skuespillerne når de gjenskaper en karakter.

Garderobe

Henviser til klær og tilbehør som er båret på scenen av en skuespiller eller utøver. De gamle grekere var pionerene i utviklingen av spesifikke kostymer for hver karakter, denne kunsten tjente til å gjenopplive middelalderen og representere store markiser for retten.

Sminke

Det er bruken av kosmetikk i endring av det fysiske utseendet til en skuespiller for å gjøre hans utseende til en viss rolle eller for å kompensere for effektene av scenebelysning.

Sminkekunsten ble revolusjonert av introduksjonen av elektrisk og gassbelysning og har nå blitt en svært teknisk praksis.

7- Belysning og lydeffekter

Lysets plassering, intensitet og farge, så vel som lydeffektene hjelper regissøren med å kommunisere stemningen, stemningen eller følelsen i en scene.

Belysning ble anerkjent som et viktig trekk ved teaterproduksjonen da innendørs forestillinger ble gitt for første gang i renessansen, med bruk av lys og brennbare væsker.

Avgjørende innovasjoner innen belysningsteknologi inkluderte introduksjonen av gulvlamper, bruken av reflekser for å øke intensiteten til lysstrålene og dimmingen av lysene i auditoriet i 1876.

Utviklingen av gassbelysning på begynnelsen av 1800-tallet representerte et stort fremskritt til tross for farene involvert. Bruken av elektrisk belysning begynte på California Theatre i San Francisco i 1879.

Dagens lyssystemer i moderne teatre styres av svært sofistikerte datastyrte dashbord, som kan koordinere belysningen til et helt system. Andre nyere innovasjoner har inkludert eksperimenter med ultrafiolett lys, lasere og holografi.

Lydeffekter er støy som genereres for å ledsage en scene i et skuespill, som kan produseres av datamaskiner eller av skuespillere på og utenfor scenen.

8- Direktør

Han er personen som er ansvarlig for den totale produksjonsenheten og for å koordinere innsatsen til kunstnerne. Regissørjobben er sentral i produksjonen av et teaterstykke, ettersom det er regissøren som setter visjonen for produksjonen for alle involverte.

Regissøren har den utfordrende oppgaven å sette sammen mange komplekse stykker av en produksjon: manuset, skuespillerne, kostymene, belysningen, lyden og musikken til en samlet helhet. For å utføre denne oppgaven trenger en leder:

• Tolke manuset.
• Samarbeid med designere.
• Planlegg øving.
• Veiled skuespillerne i arbeidet sitt under øving.

Regissørens arbeid er ofte basert på en detaljert studie og analyse av manuset som redigeres. Mange nøye lesninger av manuset hjelper regissøren med å utvikle et individuelt syn på dramatikerens intensjoner. Oppfatningen din vil påvirke ethvert aspekt av produksjonen.

Regissører studerer også karakterene i manuset, og samler så mye informasjon som mulig om deres fysiske og psykologiske egenskaper, noe som er avgjørende for valg av rollebesetning.

9- Hørsel

Kilde: Prosperoproducciones via Wikimedia Commons)

Gruppe mennesker som ser arbeidet. Mange dramatikere og skuespillere anser publikum for å være det viktigste elementet i teatret, siden all innsatsen for å skrive og produsere et teaterstykke er til glede for publikum.

Fordi i teateret er tolkene i direkte nærvær med publikum, genereres en sirkulær strøm av energi, skuespilleren påvirker publikum og omvendt. Denne effekten forsterkes av at teateret er en felles begivenhet.

Gruppeopplevelsen er uunnværlig, siden gruppen forsterker følelsene som individet opplever og skaper en kollektiv bevissthet. Når en gruppe individer reagerer på lignende måte som det som skjer på scenen, blir forholdet til andre bekreftet og styrket.

Graden av separasjon mellom rollebesetningen og publikum er det som skiller konvensjonelt teater fra deltakende teater.

I det første bruker publikum fantasien sin til å delta i stykket mens de løsriver seg fra handlingen. I det andre samhandler skuespillerne med publikum som prøver å følge et etablert og improvisert manus, med vekt på personlig utvikling eller gruppeterapi.

I teateret blir et publikum bedt om å ta imot mange slags imaginære verdener. En måte å differensiere disse imaginære rikene på er å dele dem inn i det som kalles realistisk og urealistisk teater.

Realisme, som ble den dominerende formen for europeisk teater på slutten av 1800-tallet, forsøker å gjenskape livet så tett at publikum antar at det må være livet. Ikke-realisme, derimot, forsøker å overskride observert virkelighet og presentere den delen av livet som finnes i sinnet.

Det er imidlertid en feil å anta at disse to tilnærmingene er gjensidig utelukkende. De fleste sceneopptredener inneholder en blanding av realistiske og urealistiske elementer.

10- Scenografi

Det tjener til å gjenskape miljøet hvor plottet finner sted, scenografien har følgende mål:

• Angi tone og stil på produksjonen.
• Fastsette tid og sted.
• Skille realisme fra ikke-realisme.
• Koordiner landskapet med andre elementer.
• Ta tak i begrensningene for scenerom og offstageområdet.

Alle disse målene blir adressert i flere møter mellom regissøren, settdesigneren og designteamet. Senere gjenspeiles ideene i skisser, som etter revisjoner, analyse og modifikasjoner gjør det mulig å utforme det settdesignet som passer best for historien og visjonen til reklamen.

Når dette stadiet er avsluttet, blir designene levert til en teknisk direktør, som utfører de nødvendige konstruksjoner, justeringer og installasjoner på scenen for materialisering av det planlagte.

11 - scenen

Det er det teaterutstyret, som gardiner, gulv, bakgrunner eller plattformer, som brukes i en dramatisk produksjon.

12- Rekvisitter

Kilde: Martinbayo via Wikimedia Commons)

Det er forskjellige kategorier av rekvisitter. Mye av håndholdte rekvisitter kommer fra manuset og er instruksjonspliktige elementer. Setdesigneren ber også vanligvis om rekvisitter som møbler som vises på scenen, noen ganger er det en fin skillelinje mellom denne typen rekvisitter og scenografien.

Rekvisitter er alle bevegelige elementer som vises under en forestilling, unntatt kostymer og scene. De er elementer som er manipulert av en eller flere skuespillere. En bok, en pistol, et glass vin, blant andre.

13- Apg

Kilde: Martinbayo via Wikimedia Commons)

De representerer en viktig divisjon i utviklingen av stykket. De fleste skuespillene fra den Elizabethanske perioden til 1800-tallet ble delt inn i fem akter av dramatikere eller av senere redaktører.

På slutten av 1800-tallet begynte mange forfattere å skrive teaterstykker med fire skuespill. I dag er en, to og tre akter de vanligste spillene.

14- Teatre (bygning)

Det er det rommet skuespillere eller publikum samles i. Det er viktig å ha et område der kunstneren, utøveren, kommuniserer med et levende publikum.

Teaterbygninger utviklet seg fra frilufts amfiet til grekere og romere, til den utrolige variasjonen av former vi ser i dag. Det er et rom som støtter den emosjonelle utvekslingen mellom rollebesetningen og publikum.

15- Konvensjon

Kilde: Alain Chaviano via Wikimedia Commons)

En teaterkonvensjon er et praktisk verktøy som brukes av dramatiker eller regissør for å fortelle historien om teaterstykket. Den vanligste teaterkonvensjonen er karakterene som snakker med hverandre og later som de ikke legger merke til publikum.

Ofte kalt fjerde vegg eller fjerde skjermkonvensjon, simulerer det eksistensen av en (usynlig) divisjon mellom skuespillerne og publikum.

Teaterets opprinnelse og historiske utvikling

Når nøyaktig teateret begynte er et mysterium. Forhistoriske jegere utførte historier om jaktekspedisjonene sine. De gamle egypterne fremførte hellige sanger og danset for gudene sine i religiøse seremonier. Men ideen om teater som dramatisk underholdning kom senere.

De engelske ordene for tragedie og komedie er kjent for å komme fra språket til de gamle grekere. Selv om grekerne ikke var de første som fremførte skuespill, var de veldig interessert i opprinnelsen til tragedie og komedie.

I sine skrifter foreslo filosofen Aristoteles og andre greske forfattere teorier og skapte hypoteser om hvordan kunstformen for teater utviklet seg.

Greske skuespill ble fremført i friluftsteatre. Først var teatre i åpne områder som ligger i sentrum av byen eller ved åssidene. Publikum var klare til å høre og se koret synge om eventyrene til en gud eller en helt.

Mot slutten av 600-tallet f.Kr. C. teatrale strukturer ble mer forseggjort. Etter hvert som teatret ble stadig mer populært og konkurransedyktig blant byene, ble teatrene større med strukturer som var i stand til å holde opptil 15 000 mennesker om gangen.

Teateret har eksistert siden folk først møttes for å høre noen andre fortelle en historie. Venner og familie delte ansvaret til publikum og utøver, og byttet roller så lenge noen hadde en historie å dele.

Moderne teater kan være mer formelt, med skuespillere som er trent til å gjenskape en historie og sofistikerte seere reagerer på en iscenesettelse, men ideen om å dele energier mellom rollebesetningen og et levende publikum forblir uendret.

referanser

1. Cameron, K. og Gillespie P. (1999). The Enjoyment of Theatre, 5. utgave. Boston: Allyn og Bacon.
2. Columbus State University: Teatervurderingsvilkår av Deb Moore. Gjenopprettet fra: theater.columbusstate.edu.
3. Di Benedetto, S. (2012). En introduksjon til teaterdesign. Oxon, Routledge.
4. Northern Virginia Community College: Introduction to Theatre av Dr. Eric W. Trumbull. Gjenopprettet fra: novaonline.nvcc.edu.
5. Wilson, E. (2010). Teateropplevelsen. New York, McGraw-Hill.
6. Wolf, L. (2012). Introduksjon til teater: en direkte tilnærming. Bloomington, Xlibris Corporation.